? Editor's Notes
在播客用上“现在进行时”这个名字之前，未来预想图曾经在 2018 年至 2020 年间开设过同名专栏，告诉大家全球的新鲜事。我们写过东京炫酷的快闪店、全球最大的水下餐厅、新加坡机场野心勃勃的商业计划、伦敦泰特美术馆的梵高展……
我们计划重启这个栏目，为和播客区分开，将其更名为“有街可逛”?♀️?，更新展讯、新门店和好去处。城市就像人一样会呼吸，希望你能借这篇文章，找到更多出门放风晒太阳的理由。
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“微小但永恒的，闪光又治愈的”
#日本摄影
#抓住生活碎片
#川内伦子
确实没有什么比下班后去看一眼川内伦子的摄影作品更治愈的事情了——她用镜头捕捉下来生活中最微小、最易被忽视的瞬间：削到一半的苹果、蛛网上细密的水珠或阳光下玩耍的孩童……这些看似零散的日常碎片，却出奇地让人感到内心平静。
展览的核心系列“An interlinking”（“连结”）记录了川内伦子跨越 20 年的创作历程。整个系列均用 6 x 6 方幅禄来双反（Rollieflex）相机成片，好几件作品是她为人熟知的代表作——墙上交错陈列的照片摄于冰岛，那是一座休眠火山的洞口，在川内伦子看来，这样的作品是自然与人类关系的隐喻，因此给这个系列命名为“M/E”（也就是“Mother Earth”，“母亲地球”），但后来因疫情无法远行，她不得不将镜头转回日本，拍摄北海道冬季的雪景或公园中的树影。
展厅中间，白色纱幔搭起的回型空间好似童年的蚊帐，里面摆着形态与媒介各异的影像，让人重新“发现”川内伦子。这些照片嵌入了透明材质的画框里，需要你凑近端详或低头观察，才能发现孩子手中抓握的黑色碎石，或空白磨砂背景中一只小小的飞鸟。
川内伦子并不追求“宏大叙事”，反而将镜头退回到最本真的记录者角色，捕捉那些日常生活中的闪光处。但恰恰是这样，人们也会随着相片本身不自觉地回到某段记忆里——或许这也是大家喜欢她作品的原因之一，既是一个艺术家的私人相册，也像是一面镜子，映照出每个人生活里那些渺小而珍贵的时刻。就好像她说的那样，“每次展览时回看过去拍摄的照片，就变成了当下给自己的礼物”。
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“遥远闪亮的星，在手中闪烁”
时间：2025 年 2 月 21 日至 6 月 22 日
地点：Fotografiska 影像艺术中心
票价：成人 120 元，学生/老年/儿童 80 元
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第一条地铁，第一台相机……
百年上海的摄影记忆
#城市变迁
#摄影媒介
#上海历史记录
和川内伦子展相比，虽然同样都关于摄影，但上海民生现代美术馆的这个展就要厚重得多：268 件摄影作品和 80 余件文献资料，以历史线性结构和四大板块、八个单元展现上海的城市变迁。
但它当然也是很好“看”的。摄影术在开埠之初就传入上海，展览从20世纪初就活跃于上海的丁悚、金石声、朗静山的作品开始，再到陆元敏的《苏州河》系列和张春海的《黄浦江》系列，黑白墙面虽然区隔了拍摄内容，却共同讲述了改革开放时期上海“母亲河”的历史变迁。策展人顾铮用一句话概括得精彩：“摄影与上海互相成全”。
这里还能看到摄影媒介的“发家史”：得益于上海老相机博物馆的协助，展览还带来了 1958 年始、在上海生产的十余台“海鸥牌”老相机，以及一些 1956 年“上海出口商品暨国外商品展览会”的相册照片，来印证为何展览能将上海称为“摄影之都”。
更有趣的是，看展过程中拐几道弯还能“坐”个地铁。1995年，上海轨道交通 1 号线全线（上海火车站站—锦江乐园站）开通运营，没多久摄影师侯剑华在当时的人民广场站拍到了一对使用公用电话的情侣，他就此开启了一个“地铁”专题摄影系列。展览中也就以此地铁站台的车窗作为置景，伴随着站点报站声，往回看是上海的历史老照片，往前走去则是更当代的都市摄影。坐在专属定制的塑料椅上，简直会有坐上了时光穿梭机的错觉。
上海民生现代美术馆自去年再度开馆后，就以科普大众历史型的展览为特色，展陈设计与内容都贴近大众，在上海出生成长的大人小孩，或是摄影爱好者、历史研究者，都能在这里找到属于自己的兴趣点。
展览的终点处，每个人还可以带走一张“马良移动照相馆”的照片，老木凳、旧台灯、复古人偶，童年记忆在此刻重现，而个人记忆与城市历史，也就在这里完成了一瞬交叠与定格。
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“上海：
摄影之都 1910 年代 - 2020 年代”
时间：2024 年 12 月 25 日至 2025 年 5 月 5 日
地点：上海民生现代美术馆（上海市黄浦区威海路 48 号）
票价：60 元（部分观众可享优惠票价）
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去长沙看建筑师扎哈的遗作，
还有那只全球漂的“大黄鸭”
#互动打卡拍照贴橡皮泥
#霍夫曼的粉江豚
在长沙，华中地区有了首个以国际视野为核心的现当代艺术博物馆——梅溪湖艺术博物馆（MICA）。这座博物馆由已故建筑大师扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）建筑事务所设计，于 2 月 19 日正式对外开放。被誉为“解构主义建筑女王”的扎哈是首位获得普利兹克建筑奖的伊拉克裔英国建筑师，她的建筑以其大胆、流动、非几何的建筑风格闻名世界。这也是她在中国留下的唯一艺术馆。
在长沙，华中地区有了首个以国际视野为核心的现当代艺术博物馆——梅溪湖艺术博物馆（MICA）。这座博物馆由已故建筑大师扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）建筑事务所设计，于 2 月 19 日正式对外开放。被誉为“解构主义建筑女王”的扎哈是首位获得普利兹克建筑奖的伊拉克裔英国建筑师，她的建筑以其大胆、流动、非几何的建筑风格闻名世界。这也是她在中国留下的唯一艺术馆。
事实上，梅溪湖畔有连片的“芙蓉花”建筑群。自 2011 年招标以后，由湘江集团建设运营，陆续建成了长沙梅溪湖国际文化艺术中心大剧院与小剧场，历时 13 年后，梅溪湖艺术博物馆终于面世，构建出一个可以“白天看展、晚上看剧”的艺术综合体。
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“即刻欢聚”
时间：2025 年 2 月 19 日至 6 月 19 日
地点：长沙梅溪湖艺术博物馆（岳麓区天顶街道环湖路 1228 号）
票价：全馆单人通票 128 元
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温州一家五星级酒店顶楼的美术馆，
办了一个工人展
#温州故事
#工业化流水线
#社会学美术馆
在温州威斯汀酒店的 5 楼藏着一家美术馆：弘美术馆。这个成立于 2022 年的美术馆，试图以“说人话”的社会学研究为核心方向，给观众解读什么叫“温州”。
先说展览“送流水”。在展览前期，两位艺术家各自深入温州本地制鞋企业，用装置和影像记录了工业生产中那些习以为常的场景：流水线上重复的动作、工人们磨损的手套、车间里此起彼伏的机器轰鸣，还有垒砌如墙的椰砖与钢筋。
这些物件一并呈现在展厅里，倒让它看着不那么像个展览了。但就是这些物什恰恰构成了温州这座城市最鲜活的底色——从1980年代开始，无数家庭作坊和小型工厂在这里生根发芽，通过全球化的商贸网络，将“温州制造”送往全球各地。
展览并不艰深难懂，最后也特别设置了文献阅读区，帮助观众理解作品背后温州制造业的历史脉络。更难得可贵的是，美术馆的在职员工和 90 后馆长都会提供预约导览，可以解答你对一些艺术行业“黑话”的问题，并分享他们对展览的理解。
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“送流水”
展期：2025 年 1 月 18 日至 6 月 15 日
地点：弘美术馆（温州市鹿城区锦绣路 1067 号威斯汀酒店 5 楼）
票价：35 元（部分观众可享优惠票价）
预约导览：可联系美术馆工作人员
?Tips：
弘美术馆的地理位置处在温州市中心，不远处即可见老城区的街巷，这意味着你可以花一个周末的时间来看展、观光和散步。
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隐形的劳动，摆在你眼前
#劳动工人回忆录
#全球化历史
同样是关注劳动人民的展览，在伦敦，这个名为“Hard Graft: Work, Health and Rights”的展览已经通过标题昭告天下它想讲述的内容了——“艰苦奋斗：劳作、健康和权利”。
首先，映入眼帘的是一部大屏无声电影《Gestures of Labour》（劳动姿态），镜头记录着工人们重复而优雅的劳动场景：棕皮肤的手在熨烫着白色开衫，盘腿坐在地上的工人在修剪着服装上的线头……再转入展厅，从殖民时代的血汗农场到茶园、咖啡园的工作场景，在经济繁荣背后，不可见的奴隶制暴力在绘画与摄影作品中显形了。
展览分为“植物园”（The Plantation）、“街道”（The Street）和“家”（The Home）三个单元，以这些场所名词来划分与记录劳工的生存状态——这些都是被社会低估但对社会运转至关重要的劳动场域。
详实而全面的全球劳工史，则通过超过 150 件包括历史文物、装置和摄影等艺术作品切入，并不会显得枯燥。比如种植园经济对人类和环境产生的持续影响，除了作用在全球的茶园之外，一些河流、动植物，乃至包括英美的大规模监禁系统也受到种植园经济模式的影响。
“街道”部分主要把目光锚定在街头小贩、环卫工人与性工作者身上。展厅再现了一个无屋顶的、半毁的教堂：3 米高、4.5 米宽的空间，被艺术家打造成性工作者的场所，灰色与红砖墙交错，顶部悬挂的粉色霓虹灯赫然写着“Workers, Workers, Workers”。而内部则散落着 60 个存钱罐，它们指指向了街头经济矛盾产生的主要原因：钱。
最后是家政工作者的处境。16分钟纪录片《Our Journey》（我们的旅程）是艺术家与英国的移民家政工人协作拍摄的，隐藏镜头对准了他们在全国各地私人住宅中反复擦洗地板、吸尘、洗涤和打扫；而另一件作品则需要触摸桌子来感受震动，艺术家录拍了 12 名女家政工人有节奏的身体动作，结合灯光和声音装置，让你体验她们如何表达爱与喜悦、如何释放压力，以自己的方式来对抗“不被看见的劳动”。
最后，策展人在数字手册中提出了几个问题：什么样的劳动是被社会看见与“重视”的？身体的劳作将留给人怎样的印记？我们又该如何重新定义劳动的价值？这或许是值得每个人去反思的。
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“Hard Graft:
Work, Health and Rights”
展期：2024 年 9 月 19 日至 2025 年 4 月 27 日
地点：Wellcome Collection, 183 Euston Road, London NW1 2BE, UK
票价：免费
?Tips：
韦尔科姆收藏馆（Wellcome Collection）坐落在伦敦市中心，是个于 2007 年开馆、免费对公众开放的博物馆与图书馆。这里的展览试图以创新的方式将人类的科学与文化结合，让人看到这些历史背后的收藏资料。本展览配备了 12 个语音导览站点，由策展人和参展艺术家亲自配音。观众可通过扫描二维码或使用播放器收听。
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坂本龙一
改造了一架在海啸中幸存的钢琴
#坂本龙一
#声音
“音乐家”是坂本龙一最广为人知的身份，但他的活动内容却很难只用“音乐”概括。作为 YMO 乐队的成员，他是电子音乐的先驱；作为独立艺术家，他的创作跨越电影配乐、装置艺术与实验音乐。东京都现代美术馆的这场坂本龙一个展，以“观音，听时”作为标题，暗示了声音与时间的交织——这也是坂本创作的核心主题。
这场展览本身，可以说是坂本龙一的“遗物”。它基于坂本龙一生前为美术馆构想的个展方案，展出了 12 件大型装置作品，均是他与七位艺术家的合作创作。进入展厅后，穿过一条昏暗狭窄的通道进入展厅，映入眼帘的是占满房间的 20 米水盆，里面立着三块屏风。
展览以《TIME TIME》拉开序幕。这是坂本龙一与高谷四郎的联合作品，延续了专辑《异步》中对“非同步性”的探索，借用“梦幻能剧”的形式，追问时间的本质。灵感源自夏目漱石的《梦十夜》、能剧《邯郸》和庄子的《蝶梦》，作品通过影像与声音的交错，呈现瞬间与永恒的对比，重新审视时间的概念。
坂本龙一与高谷四郎合作的另一件引人注目的作品是《IS YOUR TIME》，以 2011 年东日本大地震海啸中受损的宫城县农业高中的钢琴为媒介。钢琴的琴键因海啸的冲击而变形，却因此产生了独特的音色，仿佛在诉说着灾难与重生的故事。 坂本龙一称其为“被大自然调律的钢琴”，并将其转化为一件声音装置。
坂本龙一与雾雕艺术家中谷芙二子合作的《LIFE-WELL TOKYO》则是一场沉浸式感官体验。中谷芙二子用人造雾填满美术馆地下二层的下沉式花园，雾气如生命之水般涌动、升腾。坂本龙一的声音与雾气交织，阳光透过镜面洒下，光影与声音在空气中融合，营造出梦幻的氛围，唤起人们对自然的敬畏与思考。
对粉丝而言，最触动人心的也许还是展览的压轴之作：坂本龙一与岩井敏夫的《音乐播放图像 × 图像播放音乐》。岩井敏夫根据保存的坂本钢琴演奏数据（MIDI 数据），控制一架自动弹奏的钢琴，并投影出真人大小的坂本演奏影像。观众仿佛置身于他的现场表演中，感受音乐的力量与温度。
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“坂本龙一｜观音，听时”
时间：2024 年 12 月 21 日 – 2025 年 3 月 30 日
地点：东京都现代美术馆 1F/B2F特别展览室
票价：普通票 2400 日元（约合 116 元人民币）
?Tips：
展览共展出 12 件作品，大部分为影像，播放时间较长，建议预留充足时间参观。美术馆还开设了专门商店，出售与展览相关的限量商品。
